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Dans cette partie du site j'ai décidé de traiter « en profondeur » (j'aimerais dire exhaustivement mais je ne suis pas sûr que ce soit à ma portée -bien que-) des sujets qui font de la photographie un art et une technique évoluée. Cette page n'est donc -en principe- pas destinée aux débutants qui auront tout intérêt à s'imprêgner d'abord des bases dans d'autres pages puisque tous ces sujets ont déjà été traités (ou le seront) ... n'hésitez pas à rechercher ici.

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ATTENTION : L'ENSEMBLE DES TEXTES ET DES IMAGES EST PROTÉGÉ PAR UN COPYRIGHT DE THIERRY DELORRAINE POUR LE SITE www.thydelor.eu
La profondeur de champ La composition


LA PROFONDEUR DE CHAMP

QU'EST-CE QUE LA PROFONDEUR DE CHAMP ?

La photographie peut sembler être une forme d'art "simple" mais au cœur se trouve un ensemble complexe de règles, de mathématiques et de composantes intégrales qui sont utilisées dans la création de toutes les images, en plus de la composition. Cet article est conçu pour être aussi simple que possible et expliquer la profondeur de champ et comment vous pouvez l'utiliser pour améliorer votre photographie.

La définition de base de la profondeur de champ (PdC) est la partie d'une scène qui apparaît nette dans l'image. Bien qu'une lentille puisse focaliser précisément à une seule distance, la diminution de la netteté est graduelle de chaque côté de la distance de mise au point, de sorte que dans la PdC, le flou est imperceptible dans des conditions d'observation normales. C'est un peu compliqué à comprendre et à peu près tous les écrits que j'ai pu lire et qui expliquent la profondeur de champ se rapportent à des équations mathématiques (ce n'est pas ce que je souhaite faire ici, rassurez-vous !) mais essentiellement, la profondeur de champ se concentre sur un élément spécifique du champ de vision et en ajustant le réglage de l'ouverture du diaphragme de l'objectif on déterminera ce qui sera mis au point (en plus du sujet principal).

Si vous voulez que tout soit net, vous voudrez une profondeur de champ importante, où le premier plan, l'arrière-plan et tout le reste du cadre seront nets. L'application la plus courante pour cela se trouve dans un vieux terme photo (une vieille technique) appelé sunny 16. La règle du sunny 16 dit que si vous êtes à l'extérieur par une journée ensoleillée, réglez votre diaphragme à f/16, votre vitesse d'obturation au 1/ la valeur ISO du film et tirez, vos photos devraient toutes apparaître bien exposées et nettes sur toute leur profondeur. Le contraire de la mise au point profonde est la mise au point peu profonde, où vous, en tant que photographe, sélectionnez une partie du cadre tout en composant ce que vous voulez mettre au point en réglant l'ouverture de votre diaphragme à une valeur plus faible (une plus grande ouverture), un terme commun utilisé par les photographes se réfère à une valeur "f/nombre" faible sur votre objectif, vous créez ainsi une séparation entre la partie focalisée (nette) et la partie non focalisée (floue).

La qualité de cette zone de non mise au point, déterminée en partie par la qualité de l'objectif, le réglage de l'ouverture, la distance par rapport à l'appareil et la distance entre le sujet et les « autres » parties de la zone composée, est communément appelé bokeh par les photographes. Je me permettrais toutefois de souligner que ce terme de bokeh veut en principe parler uniquement de la qualité du flou d'arrière plan et pas de la présence du flou d'arrière plan... alors que très souvent on amalgame les deux sens... c'est nul, mais bon, c'est ainsi !

POURQUOI S'INQUIÈTER DE LA PROFONDEUR DE CHAMP ?

Alors, pourquoi est-il important de connaître la profondeur de champ et comment allez-vous l'implanter dans votre photographie ? La faible profondeur de champ vous permet d'attirer l'œil du spectateur dans des parties spécifiques de l'image, créant une distance visible entre le sujet et le reste de la photographie bidimensionnelle, par ailleurs totalement plate. D'un autre côté, l'utilisation d'une grande PdC assurera que les choses comme les couchers de soleil ou les photos de groupe seront nettes d'un bout à l'autre de l'image. La mise en œuvre de ces deux techniques de base de profondeur de champ vous permet de choisir comment le spectateur de votre photographie perçoit votre image et vous permet d'être créatif avec ce qui est et ce qui n'est pas net. Des tas de sites sur internet présentent les calculs mathématiques et des illustrations qui expliquent en détail comment la profondeur de champ est calculée, à quoi ressemblera le bokeh potentiel et comment calculer des choses comme le cercle de confusion. Ces tableaux et ces explications sont extrêmement utiles, mais sont aussi très déroutants en soi. Ils illustrent ce qui se passe réellement, mais il y a plus important et je peux aider à partager avec vous ce dont ils parlent réellement et pourquoi vous voudrez peut-être les utiliser. Une fois que vous aurez compris comment et pourquoi utiliser la profondeur de champ, vous arrêterez de prendre des instantanés et vous commencerez à créer des photos !...

Si vous photographiez un portrait en extérieur et que vous tirez diaphragme grand ouvert, ou avec une PdC limitée, votre sujet devient le point focal de l'image. Il est encore clairement visible que la scène a lieu dans une rue, mais l'accent est mis sur le modèle, pas sur l'environnement. En tirant avec une faible PdC, l'œil du spectateur est instantanément attiré vers le modèle puisqu'il est au point...

Autre exemple de faible profondeur de champ, un modèle, seul point focal de la photo, avec au fond ce que l'on devine être des arbres. En choisissant une faible profondeur de champ, l'arrière-plan devient rien de plus qu'une jolie toile de fond pour mettre en valeur le sujet de premier plan. L'intention de tirer cette image à large ouverture est d'attirer l'attention sur le modèle tout en utilisant l'environnement naturel comme arrière-plan intelligent...

En regardant la profondeur de champ, vous verrez dans cette image de groupe que tout le monde et tout l'environnement étaient destinés à être vus, donc le photographe a choisi un diaph' étroit (une faible ouverture) f/16 ou moins (je parle en fraction, c'est à dire f/22, f/32 etc...).

Dans cette image de cascade, la scène est nette partout. L'utilisation d'une faible profondeur de champ n'aurait pas eu de sens, car aucune partie de l'image n'est plus importante qu'une autre. Alors qu'une autre technique est utilisée ici -l'exposition longue- le concept de profondeur de champ est toujours le même.

Sur une photo qui aurait pu être créée d'une manière ou de l'autre, cette image a été prise à f/22 pour que le sujet au premier plan et la montagne en arrière-plan soient nets. Si le photographe avait voulu se concentrer uniquement sur le musicien, une profondeur de champ peu profonde et peut-être une ouverture de f/5.6 aurait été choisie. Peu importe, c'est le choix du photographe et le message qu'il souhaite partager, il n'y a pas de bonne ou de mauvaise manière de traiter une image...

COMMENT APPLIQUER LES BONS PRINCIPES DE LA PROFONDEUR DE CHAMP À VOS PHOTOS ?

Avec une compréhension des bases de la profondeur de champ et quelques exemples basiques, la mise en œuvre est la prochaine étape.

Afin de prendre des photos avec une faible profondeur de champ, quelques facteurs entrent en jeu.
 Distance focale de votre objectif
 Ouverture maximum (valeur de diaphragme la plus basse)
 Distance de votre sujet
 Distance entre votre sujet mis au point et la section non mise au point
 Taille du capteur numérique OU
 Taille du film (pour les argentistes, 35mm, 120, 4x5, etc.)
 Taille des photosites du capteur (nombre de pixels rapporté à la surface du capteur)

Tous ces facteurs détermineront essentiellement ce que vous pouvez et ne pouvez pas faire en ce qui concerne le bokeh ou la netteté globale de l'image d'un point à l'autre. Alors, comment pouvez-vous appliquer ces techniques ? Pour obtenir l'image souhaitée lorsque votre but est une faible PdC, vous voudrez que l'objectif soit le plus long et le plus rapide (valeur de diaph' la plus basse) possible et que votre sujet soit aussi proche que possible de l'objectif. C'est ainsi que les photographies de macro présentent des images d'insectes si étonnantes, mais c'est aussi ce qui permet de séparer une photographie de portrait d'un simple instantané. Inutile de dire que vous ne pouvez pas obtenir une PdC peu importante en demandant à quelqu'un de s'appuyer contre un mur. C'est aussi pourquoi les portraits et la photographie de mode sont généralement créés avec des objectifs dans la gamme des 70-200mm et pourquoi les Nikon 85mm f/1.4 et Canon 85mm f/1.2 (par exemple) sont parmi les objectifs les plus populaires pour cet exercice. Mais cela ne veut pas dire que vous devez dépenser 2000 € pour un objectif afin d'obtenir une faible PdC, sachez simplement que vous obtiendrez de meilleurs résultats avec un meilleur équipement MAIS qu'utiliser tous les facteurs listés ci-dessus vous permettra d'obtenir de bons résultats en faisant l'impasse sur la grande ouverture et ainsi économiser énormément d'argent !... Pour une profondeur de champ importante, presque n'importe quel objectif fonctionnera puisque le but est que tout soit parfaitement net, mais encore une fois, la qualité de construction et la qualité globale du verre aideront à définir une image meilleure et plus nette. Il est également intéressant de noter que la plupart des objectifs ont une valeur de diaph' privilégiée, c'est-à-dire que la plus grande ouverture n'est pas la meilleure, certes elle permet une faible PdC mais au prix d'une netteté globale moindre. La plupart des objectifs sont le plus net entre f/5.6 et f/11.

QU'EN EST-IL DES RÉGLAGES DU BOÎTIER ?

Avec un peu de compréhension, comment pouvez-vous mieux appliquer cette technique ? Simple !. Quelle que soit l'importance de PdC que vous voulez obtenir, l'application est la même. Réglez votre appareil photo sur le mode priorité à l'ouverture. Dans ce mode, vous choisissez l'ouverture à utiliser et l'appareil photo, à l'aide du posemètre interne, sélectionnera la meilleure vitesse d'obturation pour obtenir une bonne exposition. Attention, j'ai mis "bonne" en italique car quelle que soit la qualité du boîtier, vous serez obligé d'appliquer une compensation d'exposition pour sur ou sous-exposer légèrement selon l'éclairement de votre sujet et de ce que vous souhaitez montrer. Alors que je milite à longueur de site pour l'utilisation 100% manuelle de vos boîtiers, pourquoi ai-je parlé d'automatisme à priorité ouverture et pas en mode manuel complet ? Pour deux raisons, la première est qu'il est préférable d'être rompus à la technique 100% manuelle -que vous utiliserez un jour ou l'autre, c'est certain (!)- et la deuxième parce que ce n'est pas toujours le choix le plus logique -au début- en fonction de vos conditions de prise de vue. Quand il s'agit de photographier des enfants en train de jouer dans un parc ou dans un champ, ils courent dans tous les sens, au soleil et à l'ombre. Un débutant du mode 100% manuel sera plus concentré sur la course des enfants pour les suivre et travailler la composition, et ne pourra pas se concentrer sur les réglages de l'appareil photo. Utiliser le mode automatique à priorité ouverture avec une grande ouverte (valeur de diaph' inférieure) c'est obtenir une faible PdC sans ne jamais avoir à se soucier de l'exposition parce que l'appareil photo s'en chargera. Inversement, lorsqu'il s'agit de faire des photos de groupe ou des paysages, il suffit de repositionner le diaphragme à f/16 pour que tout soit net. Pourquoi ne pas utiliser le mode Portrait intégré aux appareils photo d'entrée de gamme ? Eh bien, pour être honnête, parce que c'est nul... Les fabricants de caméras ajoutent ces préréglages dans une tentative de rendre la prise de vue plus facile, mais la réalité est toute autre, quelques connaissances de base en photographie et savoir ce que vous voulez trouver sur le résultat final signifie que vous n'aurez jamais besoin de ce genre de mode... Le mode portrait intégré dans les caméras est essentiellement configuré pour une grande ouverture et donc une faible PdC (valeur de diaph' inférieure), c'est tout, pas d'autre forme de magie ! Pourquoi laisser le boîtier choisir l'importance de la PdC quand on est soi-même en mesure de mieux faire en étudiant un peu ?

ET LA POST-PRODUCTION ALORS ?

Profondeur de champ en post-production ? Voilà une proposition indécente ! Je milite toujours pour faire le plus possible dès la prise de vue parce que le résultat final sera bien meilleur, mais que faire si vous ne réussissez pas à obtenir la profondeur de champ désirée ou si vous voulez ré-éditer des photos anciennes ? Certaines techniques avancées dans Photoshop -dont j'ai parlé par ailleurs- qui nécessitent un flou sélectif de l'arrière-plan peuvent vous rapprocher du résultat (sans être impressionnant !), mais elles nécessitent beaucoup de temps et un vrai savoir faire. Editer toutes vos photos de cette façon n'est pas souhaitable, c'est un travail fastidieux, possible mais très emm*** vu le résultat. Une autre option serait d'utiliser des plug-ins spécifiques, oui ça existe, mais le résultat n'est pas à la hauteur des attentes. Certains de ces filtres plug-ins émulent les effets de plusieurs objectifs populaires réputés pour leur bokeh et vous donne un contrôle total mais, encore une fois, cela prend du temps et il faut peu pour tuer ses photos car le résultat sent le faux.

Maîtriser et utiliser la profondeur de champ est à la fois une technique de photographie fondamentale et complexe qui s'applique à presque tous les types de photographie, mais il est capital d'apprendre à s'en servir parfaitement sans devoir réfléchir. Cela permettra de ne pas dépendre des préréglages peu flatteurs intégrés dans votre appareil photo et gagner plus de contrôle, pour finalement aboutir à de meilleures photos et pas seulement des instantanés. Allez-y, jouez de la profondeur de champ et voyez à quel point votre photographie peut devenir incroyable !...

Si vous ne deviez retenir qu'une seule chose de cet article ce serait :

Vous souhaitez :
Une petite PdC
Une grande PdC
Préférez une grande surface sensible (film/capteur)
film : 4x5" > 120 > 35
capteur : MF > Full Frame > APS > 4/3 > µ4/3
Préférez une petite surface sensible (film/capteur)
film : 35 > 120 > 4x5"
Capteur : µ4/3 > 4/3 > APS > Full Frame > MF
À taille de capteur constante, préférez un faible nombre de pixels (ex: Full Frame à 20 MPxl) À taille de capteur constante, préférez un grand nombre de pixels (ex: Full Frame à 50 MPxl)
Préférer un objectif de longue focale
500mm > 100mm > 80mm > 50mm > 35mm > 28mm > 15mm
Préférer un objectif de courte focale
15mm > 28mm > 35mm > 50mm > 80mm > 100mm > 500mm
Préférez un objectif rapide (grande ouverture)
f/1.2 > f/1.4 > f/2 > f/2.8 > f/3.5 (> f/4)*
Tous les objectifs conviennent (petite ouverture)
f/22 > f/16 > f/11 > f/8 > f/5.6
Préférez une faible distance sujet/objectif à focale const. Préférez une grande distance sujet/objectif à focale const.
Préférez une grande distance sujet/fond Préférez une faible distance sujet/fond
* un zoom de Kit n'est pas l'objectif rêvé car une ouverture de f/5.6 pour une focale "longue" n'est pas suffisante...

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LA COMPOSITION

Vaste sujet ! Sujet ambitieux s'il en est ! Sujet inépuisable aussi ! Pourtant, il est impossible de faire l'impasse sur ce pan capital en photographie ! Je vais donc essayer de vous donner un maximum d'informations sur le sujet dans un article que je vais essayer de créer au plus court !...

LES MOYENS BASIQUES DE CHANGEMENT DE LA COMPOSITION

La plupart du temps, les gens loupent une image pourtant patiemment composée simplement parce qu'ils n'ont pas pris le temps de chercher une alternative peut-être légèrement meilleure. Lorsque vous avez trouvé une scène qui vaut la peine d'être photographiée, n'oubliez pas d'envisager, avant de déclencher, quelques moyens d'améliorer la composition. Pas évident ? Certes, mais c'est plus facile que vous ne le pensez !... Bien sûr, ce conseil est inapplicable lorsque votre sujet est fugace et la photo créée sur le vif !...

Faites les cent pas, tournez en rond.
Essayez de trouver toujours un meilleur endroit d'où photographier une scène ou un objet... cela vous donnera une meilleure alternative pour composer votre image. Si possible, faites un tour et regardez la scène de différents endroits. Considérez quel point vous donne la meilleure chance de composer le plan avec de bonnes règles de composition à l'esprit et si l'une de ces règles peut valoir la peine d'être volontairement violée.

Inclinez le boîtier.
Il suffit souvent de changer l'angle de l'objectif de haut en bas, puis de gauche à droite pour voir ce que vous pourriez obtenir. Est-ce que le premier plan ajoute un bonus ou parasite la scène ? Pouvez-vous éviter des éléments distrayants comme des branches d'arbres sur le bord de la composition ? etc.

Point de vue.
Cela consiste à généraliser ce qui a été dit plus haut, mais cherchez des endroits qui pourraient offrir un point de vue différent du sujet que vous photographiez. Pouvez-vous tirer d'une position plus élevée ? Plus basse ? Cela peut souvent vous donner une image plus forte et c'est la raison pour laquelle vous voyez souvent des photographes se contorsionner dans des positions très inconfortables.

Horizontal ou Vertical.
Votre photo sera-t-elle mieux servie en tenant l'appareil verticalement ou horizontalement (orientation portrait ou paysage) ? N'oubliez pas que vous pouvez également envisager, dès la prise de vue, comment vous pourrez recadrer la photo pendant la phase de post-production (analogique ou numérique).

Remplissez le cadre.
Les grands maîtres de la photographie ont lourdement insisté sur le fait que si une image semble bonne dans le viseur c'est qu'il faut s'approcher de son sujet d'un bon mètre ! Vous pouvez remplir le cadre en vous rapprochant de l'objet que vous photographiez ou, si cela n'est pas possible, en utilisant un zoom. Remplir le cadre conduit généralement à une meilleure composition et des images plus fortes.

Ce paragraphe se résume par examinez attentivement votre environnement avant même de mettre l'œil au viseur. Pensez au sujet que vous photographiez. Et rappelez-vous qu'il existe toujours plusieurs façons de composer une photographie...

ET L'ESPACE NÉGATIF ALORS ?

Je viens de dire qu'il fallait remplir le cadre mais j'ai également dit qu'il est des règles qui doivent être violées et voilà justement un exemple important (capital ?!) de violation de la règle ! L'espace négatif, par définition, est l'espace vide autour du sujet ou de la zone focalisée de la photographie. Si les bords de la photo encadrent le contenu et que le sujet est le point focalisé, il est possible que (presque) toutes les photos, même les macros et même les portraits serrés peuvent avoir un espace négatif.

Pour illustrer à quel point l'espace négatif peut être puissant, la photo ci-dessus montre à quel point rien ne peut être puissant dans le cadre. Ne concluez pas trop vite cependant, parfois l'espace négatif dans la composition d'une photo est tout aussi (voire plus) puissant et visuellement attrayant que le sujet ciblé. Prenez la même photo (mais si différente !) par exemple :

Ici, le sujet pourrait être le ciel qui est, pourtant, l'espace négatif !...

Réaliser un bel espace négatif dans votre composition ne signifie pas utiliser des objectifs super grand angle ou coincer le sujet en bas ou dans un coin du cadre. On peut remplir le cadre d'une photo tout en conservant l'espace négatif qui renforce le sujet.

Essayez l'espace négatif dans vos photos en gardant présent à l'esprit que le sujet est et doit rester la clé de la photo mais essayez de considérer différemment la composition en mettant l'accent sur... rien... vous serez ainsi surpris par le plus que cela apportera à votre image !...

ÉLÉMENT IMPORTANT DE LA COMPOSITION : LA PERSPECTIVE

La perspective se réfère à la relation des différents objets présents dans une image - l'espace entre eux, leur taille relative, leur placement dans la scène, etc.. Devenir familier avec différents styles de perspective peut être inestimable dans votre quête de créer des images visuellement saisissantes.

Perspective Linéaire ou Horizontale
Les lignes parallèles qui s'éloignent semblent converger à l'horizon d'une scène. Vous avez probablement vu cela d'innombrables fois dans les photos de voies ferrées avec les rails qui semblent se fondre au loin. C'est ce que l'on appelle le point de fuite. L'espace entre les rails est fixe, bien sûr, mais il semble se rétrécir au fur et à mesure que les rails se rapprochent de l'infini. Mais cet effet n'est pas uniquement intéressant avec des rails de chemin de fer !!!

Perspective Verticale
Il s'agit du même effet que précédemment mais cette fois il s'applique à un objet qui s'étend en hauteur et pas au loin à l'horizon. Plus l'objet est élevé (dans le plan horizontal) dans la photo, plus il semble lointain et petit, les objets situés plus bas (dans le plan horizontal) apparaissent plus proches et plus grands.

Perspective "Atmosphérique"
La représentation d'objets situés à des distances très lointaines est altérée par les effets des conditions atmosphériques entre l'objectif et l'objet photographié. Les objets deviennent moins distincts, moins nets, moins contrastés, moins colorés, car plus d'atmosphère est placée entre eux et l'appareil photo, la poussière, la fumée, la vapeur d'eau et divers autres facteurs concourent à altérer les objets lointains. Ironiquement, cette baisse notable de qualité sert aussi à créer de la profondeur, en particulier en photographie de paysage.

Chevauchement de Perspective
Si une image comporte plusieurs objets placés sur le même plan, les objets se chevaucheront et les objets les plus proches cacheront partiellement les objets les plus éloignés. A partir de là, le spectateur peut plus facilement déterminer la distance relative d'un objet par rapport à un autre.

Taille décroissante
Cet effet est mieux démontré par la répétition d'objets tels que des rangées d'arbres. Le premier étant le plus proche du boîtier apparaîtra plus grand, chaque arbre suivant dans la rangée semblant plus petit.

Perspective forcée
La perspective forcée repose sur le placement volontaire d'un objet de sorte qu'il apparaisse plus loin, plus proche, plus grand ou plus petit que dans la réalité.

Il existe d'autres types de perspectives mais plus marginales, j'en parlerai peut-être plus tard dans ce chapitre. Mais pour le moment je trouve plus intéressant de vous donner quelques moyens de jouer avec les perspectives :

- changer de focale
Pour influer sur les distances, les focales plus larges accentuent la perspective linéaire, tandis que les focales plus longues ont un effet de compression et réduisent l'impression de distance. Choisissez votre focale en fonction de la façon dont vous voulez représenter les distances dans votre image. Si vous voulez jouer avec la profondeur, photographier avec un objectif grand angle très près de votre sujet aura pour effet d'augmenter la profondeur apparente. D'un autre côté, une photo prise avec un téléobjectif d'une plus grande distance semblera avoir moins de profondeur.

Voyez l'effet du grand angle sur la perspective...


...et maintenant, l'effet du téléobjectif.

- Changer de point de vue
Peut-être que le moyen le plus commode de modifier la perspective est de simplement bouger. Changez votre point de vue. Descendez, montez, faites un pas vers la droite ou vers la gauche, tout point de vue autre que le niveau des yeux (le point de vue le plus couramment utilisé) peut faire une différence significative de perspective.
La perspective en tant qu'outil de composition aura un impact puissant sur les images que vous produisez une fois que vous aurez compris comment et quand utiliser différents types de perspectives. Peu importe le type d'appareil que vous utilisez, absolument tout le monde peut améliorer sa photographie de cette façon.


A SUIVRE...

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